DANZA CONTEMPORÁNEA ARGENTINA
Comentarios de obras, difusión y apoyo a la producción independiente.

Es jueves 11 de abril de 2013 y son casi las nueve de la noche. La ciudad poblada de los, ya célebres, autos, colectivos y motos; dejan ver cual arteria colectiva, el mandato de la calle; la velocidad del afuera y la ausencia de un adentro, la naturaleza reticente de brotes hormigonados. La insistencia del trabajo mueve a quienes huyen del miedo, mientras la voluntad se confunde con esperanza. En “El Rojas”, precisamente adentro, allí; los sentidos aguardan silenciosos. Se pueden disipar y aquietar las perturbaciones irascibles, dejando anticipar un goce fugitivo y brillante como un relámpago. #1 Las nueve se hacen a punto y arriba, subiendo tres pisos por escalera, en la sala (“la cancha”) los espectadores se acomodan en orden de llegada. Suena una música calma de cellos y pianos que permite acomodarse con soltura. Sobre el escenario aguarda una persona que, a los hechos de estar en escena, permite pensar que se trata de una intérprete. Fácilmente identificable, la silueta de una persona se recorta, sentada sobre una banqueta, delante de un fondo blanco de forma rectangular…

“¿Qué hago con todo esto?” Se pregunta Marina al final de la grabación que da inicio a la performance, refiriéndose a todo el material originado en el proceso de creación de Andrea, su ópera prima estrenada en el año 2012. Entonces propone un juego, un sistema para la creación de algo nuevo. El espacio se encuentra dividido en las 5 variables que componen el sistema: “música”, “diario de Marina”, “objetos”, “obra Andrea” y “bailar el recuerdo”. Además de la proyección donde intervendrán los videos y del sector dedicado a la, por así llamarla, “mesa de experimentos”. A medida que las variables se articulan también el espacio se modifica, así como la performer en quien van quedando evidenciados los rastros de la búsqueda de sentido –olor a perfume, pedazos de plástico, trozos de papel higiénico, menos ropa-. El sistema de composición funciona por medio del azar, y a través de éste se va configurando el sentido -¿o perdiéndolo?-. El material anteriormente descartado, los restos de un proceso de creación, se muestran y adquieren nuevo significado en este experimento –recordemos que experimentar…

El equipo de Los posibles, último proyecto –más amplio que una obra- de Juan Onofri Barbato, está integrado por varios. Siete performers, bailarines, atletas, jóvenes en escena, traceurs… o como se los quiera llamar. Más el diseñador de luces, espacio y objetos, Matías Sendón. Más una asistente de dirección -Marina Sarmiento- que además de ser bailarina y coreógrafa, es especialista en trabajo social. Más Ramiro Cairo, que además de ser el músico en vivo durante las funciones, fue músico en vivo en los encuentros. Más el ideólogo del proyecto (J. Onofri B.). También el fotógrafo Sebastián Arpesella. Para el momento en que mi comentario se suba al portal, esta temporada de Los posibles en el Cultural San Martín habrá concluido, pero de todos modos… heme aquí. Este trabajo fue estrenado en mayo de 2011 en la sala TACEC del Teatro Argentino de La Plata, con amplia repercusión, tanto en el público como en la crítica. Repercusión es una palabra bastante cómoda para el que escribe: es lo suficientemente ambigua, no se sabe bien en que sentido se la utiliza pero…

Ellas entran como a desgano en la escena, visten de playa pero no están tostadas. Sus mallas enterizas pasadísimas de moda marcan un estilo que no sabemos bien a qué estética responde. Porque las cuatro son raras, pero eso sí, las cuatro son bien distintas. Y esa diferencia constitutiva de los cuerpos en escena es aprovechada a sabiendas para la construcción de la obra. No entran en el estereotipo femenino de mujer joven que va a la playa. “Yo no voy acá. No soy la original”, comenta de pie ante un micrófono la Sustituta, guitarra en mano. Admite que no canta bien, de antemano lo avisa, antes de empezar. Las cuatro mujeres coexisten en el despojado espacio escénico de una especie de Summertime al mejor estilo Mar del Plata en los `80, en el que pululan, como motas de polvo vistas a trasluz, múltiples clichés de lo femenino en su estado más carrasposo. Sacan del bolso el tupper, mordisquean un sanguchito, beben jugo del pico del tetra-brik, se toman la pastilla anticonceptiva y leen la Cosmopolitan tumbadas lívidamente en reposeras…

Érase un lugar desconocido habitado por seres desconocidos: nosotros. El cielo de los monstruos parece mostrarnos justamente el intervalo entre un primer y un segundo acto, es decir ese momento en el que suponemos tendría lugar la trasformación de seres terrenales a seres monstruosos… momento de metamorfosis que generalmente no vemos. Eso para empezar: de esa mutación está hablando, al menos desde lo formal de la propuesta, la obra de Silvina Grinberg. Pero si cavamos más profundo o simplemente nos permitimos descansar en la butaca oliendo algo más (antes en el TACEC, ahora en el Portón de Sánchez) tal vez concluyamos que también habla de otra cosa. Materialmente –y poéticamente- se presenta en la sala negra del Portón un juego de alegorías monstruosas que inevitablemente nos convocan de principio a fin. El espacio pelado es reelecto para ser el cielo de los monstruos. Esta vez, a diferencia de la temporada con sede en La Plata, la escenografía es la ausencia de escenografía o, mejor dicho, es ese espacio playo y profundo en el que la monstruosidad está o debe estar…