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Lunes, 10 Agosto 2015 03:37

ESCOMBROS DE ORO Destacado

Escrito por Matías Gava

Una reflexión acerca de la Bienal de Danza Venecia 2015

Desde el año 1999 la Bienal de Arte Contemporáneo de Venecia incorpora una sección dedicada especialmente a la danza. En su edición número 56 titulada "All the world's future", la exposición propone a una reflexión sobre el rol del arte de cara a la realidad política planetaria. Según las palabras del presidente de la Bienal Paolo Baratta: "El mundo que nos ocupa hoy exhibe profundas divisiones y heridas, desigualdades pronunciadas y las incertidumbres en cuanto al futuro. A pesar de los grandes progresos realizados en el conocimiento y la tecnología, actualmente estamos negociando una "edad de la ansiedad". Y una vez más, la Bienal observa la relación entre el arte y el desarrollo del ser humano, social y política mundial, como las fuerzas externas y fenómenos cobran gran importancia sobre él. Nuestro objetivo es investigar cómo las tensiones del mundo exterior actúan sobre las sensibilidades y las energías vitales y expresivas de los artistas, en sus deseos y su canción interior". Dentro de este marco se desarrolla la bienal de danza bajo el título "La dignita del gesto", curada por el coreógrafo italiano Virgilio Sieni.

Antes de abordar las obras a las que asistí, en su mayoría nombres consagrados de la danza europea, siento necesario comentar cómo articula este llamado a la reflexión realizado por las autoridades de la bienal, con el espíritu de este mega encuentro del arte.

Al hacer hincapié en la situación política del mundo, las contradicciones que atraviesan esta bienal y el medio del arte quedan expuestas groseramente. Nada es ocasional a este nivel y la bienal toma abiertamente posición ante la geopolítica. Clausura el pabellón Islandia, en el cual se había montado una mezquita, primer lugar de culto musulmán en la ciudad del mundo con más iglesias católicas, aludiendo problemas de seguridad como salidas de emergencia y premia con el León de Oro al pabellón Armenia, el cual rememora el sangriento genocidio realizado por Turquía y la ocupación soviética. Me pregunto también que capacidad de reflexión tiene el arte frente a las injusticias, cuando es expuesto en una atmosfera de tanto lujo, y sobre las contradicciones que atraviesan a los artistas cuando sus obras denunciando las inequidades del sistema son vendidas a muchos miles de dólares.

“La dignidad del gesto” es una frase bellísima, pero abismalmente hipócrita cuando ninguno de los bailarines y performers que participan de las obras recibe una remuneración o viático. Contrariamente la bienal es financiada en parte por el estado italiano, los países y muestras colaterales deben pagar miles de dólares por el permiso a participar, hay muchísma publicidad y cuenta con los ingresos de entradas de miles de personas. Esto es justificado moralmente a través de la figura del workshop gratuito y la posibilidad de trabajar con coreógrafos de renombre. Sin embargo, muchos de los participantes tienen un recorrido profesional y es necesario pasar exigentes instancias de selección para formar parte, esto es evidente por el altísimo nivel logrado en procesos brevísimos. Además los resultados de los workshop no son mostrados como ensayos abiertos o conclusiones de un una experiencia formativa, sino bajo el formato de obra. Asimismo el hecho de que no sean remunerados es un claro desinterés por incluir artistas de diferentes realidades económicas, ya que  no son muchos los adultos que tienen la posibilidad de viajar a Venecia y solventarse quince días sin contar con algún tipo de ayuda. En esta edición la Bienal reflexiona sobre el futuro del mundo y vigila que el arte contemporáneo siga siendo un privilegio para muy pocos.

De las ocho obras que vi, solo tres fueron interpretadas por bailarines, "Fase, four movements to the music of Steve Reich" de la enorme Anna Teresa de Keersmaeker (Bélgica, 1960), "Third Song" de Emanuel Gat (Israel, 1969) y "Dirty Hands and Beauty" de Cesc Gelabert (Cataluña, 1953).

El famoso dúo "Fase" de Ana Teresa, fue interpretado por Anne de Mey, quien estrenó esta obra junto a la coreógrafa en el año 1982 en Bruselas y Jennifer Everhard. La coreografía se estructura sobre cuatro piezas de música minimalista, donde cada escena evoca diferentes formas geométricas en el espacio, a través de frases cortas que se repiten incansablemente formando un sistema complejo de movimientos. Las dos primeras fases "Piano" y "Come Out", sombrías, reiterativas hasta la incomodidad de los que miramos, dan lugar en la fase "Violín" a un solo que nos devuelve a todos el optimismo. La última fase "Claping Music", con dos bailarinas a las cuales la obra llevó hasta el límite del agotamiento físico, si bien conserva todo el frío y la seriedad que acompañan estos setenta minutos, es una celebración del cuerpo y el tiempo. El público devuelve un aplauso de pie, a una obra icono de la danza contemporánea y a dos bailarinas que han dado tanto.

"Third Song" de Emanuel Gat, es el producto de un proceso de tan solo diez días de cinco horas de trabajo. Una investigación sobre los sistemas de movimientos en la coreografía y en la sociedad, anclando principalmente en el caos preciso. Bailarines de un nivel remarcable, fluyen en la velocidad jugando con filosos límites de espacio. Una obra que hace poco hubiese estado de moda, hoy se destaca por tener un planteo conservador, al ser una rareza en la bienal por utilizar técnica de danza contemporánea y bailarines jóvenes y entrenados.

Por su parte Cesc Gelabert presento "Dirty Hands and Beauty" en el Campo Sant' Angelo. Creo, una obra mal elegida para una plaza, ver bailarines hacer secuencias de Fly low sobre un piso de asfalto siempre genera sospechas.

“Quadri dal Vangelo secondo Mateo” (Cuadros del Evangelio según Mateo) de Virgilio Sieni (Italia, 1957) y música en vivo de Michele Rabbia, una obra que se lanza sin miramientos al corazón de los presentes, reinterpretando once escenas del evangelio de Mateo: Los Reyes Magos, La Crucifixión, Entrada a Jerusalén, Bautismo, El Huerto de Getsemani y seis Piedades. Estas escenas forman parte de un proyecto más extenso de veintisiete cuadros, representados por artistas de diferentes edades y background. A través de estas once escenas que conviven simultáneamente en la misma sala, expuestas a modo de cuadros en una galería, el coreógrafo aborda temas fundamentales de la existencia humana. Performers que dan vida a estas escenas con una gran simplicidad en los movimientos, pero un hondísimo compromiso interpretativo. Una obra que puede hablar de tanto, plena de belleza, me ha hecho pensar que por momentos el movimiento está de más.

Sin duda hay hombres y mujeres que han dejado una huella tan fuerte en el recorrido de la danza que jamás serán anacrónicos, Merce Cunningham, es uno de ellos. El coreógrafo Frances Boris Charmatz (Francia 1973) ha tomado el libro Fifty Years de David Vaugham, el cual realiza un registro del trabajo de Cunningham entre la década del cincuenta y el dos mil. Para Charmatz la colección de fotos que incluye el libro forma una coreografía en sí. Citando al propio Cunningham "La danza sucede entre dos posiciones", el artista ha recreado con performers y bailarines no profesionales las secuencias que podrían concatenar estas imágenes. A priori, llevar a cabo esta investigación con cuerpos sin experiencia en la técnica puede parecer riesgoso, pero ver mujeres adultas, hombres gordos o cuerpos jóvenes no adiestrados por la danza realizar esta obra cubrió todo de esperanza. Ver estas personas intentar con alegría realizar difíciles secuencias era tierno, pero también una fuerte reflexión sobre los límites con los que convivimos.

La coreógrafa Marina Giovannini (Italia, 1959) ofreció "Verve- Quartetto Colore" (Verve-Cuarteto Color), interpretada por cuatro niñas. Una obra abstracta que según la autora a través de sus formas evoca las relaciones con los otros, en una alegoría de vida gracias a una composición feliz, decorativas simetrías, galvanizadas asimetrías, lo estricto en oposición a lo flexible, temperaturas y para completar la descripción por las dudas que falte algo, la inspiración en un libro de Henri Matisse. Este ambicioso programa de mano se opuso a una obra aburrida, en la que se ve niñas estresadas por difíciles secuencias y el eterno ocho en sus ojos. Me pregunto cuál es el sentido de trabajar con niñas si se oculta el juego, la inocencia y la espontaneidad. Sospecho que siempre nos es muy tentador rendirnos a las modas, aunque no sean tan propias.

Me gusta tanto la sensación cuando al finalizar de ver una obra me siento energizado, pleno de optimismo, cuando creo que el arte tiene un sentido en el mundo en el que vivimos y no es solo una forma de dar sentido a existencias burguesas. Fantaseo con conocer el director o la directora y hacernos amigos. Todo esto y más me sucedió con los dos trabajos de Xavier el Roy (Francia, 1963) en Venecia. En "Title in Process", una performance de tres horas de duración, los participantes juegan con la fisicalidad de felinos dentro de una manada. Cuerpos desnudos portan estos elegantes seres gatunos en un ambiente de sensualidad, se acercan a los que los visitamos y despliegan diferentes preguntas diseñadas por Le Roy. Preguntas que por supuesto generan una agitación interna a lo largo de varias horas.

Su segunda prepuesta, un extracto de "Low Pieces", obra que el artista presento completa en el TACEC de la ciudad de La Plata en el año 2012, una charla de veinte minutos a oscuras entre el público, el director y los performers, donde las emociones no se detienen jamás.  Le Roy, es creo, un artista en estado de condensación, que logra con aparentemente muy poco ponernos a temblar y lleva un paso aún más adelante la pregunta sobre lo que puede y lo que no puede la danza.

Muchas emociones me ha regalado este festival, pero sobre todo estas obras hacen carne el hecho que el paradigma contemporáneo ha destruido la danza, pero afirman con fuerza que hoy se tiene la posibilidad de reconstruirla con escombros de oro.

 

 

 

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